科波拉的艺术风格

1. 手持式摄影：科波拉常使用手持式摄影镜头，为电影带来了生动、真实的视觉效果，尤其是在拍摄《教父》系列时特别明显。

2. 镜头运动：科波拉善于运用镜头运动来表现情感和氛围，使得电影更具有动态感和节奏感。

3. 动态画面：科波拉善于运用动态画面表达复杂的情感和内心挣扎，常常使用低角度和强烈的对比来营造氛围。

4. 光影对比：科波拉以精致的摄影技巧，运用光影对比表现人物内心的情感变化，刻画深刻的人物形象。

5. 支线叙事：科波拉擅长通过支线叙事手法，展现电影中的各类人物形象和情节，让电影节奏更加丰富。

6. 寓意深刻：科波拉的电影常常蕴含着深刻的寓意和哲理，他通过电影语言潜移默化地传达出对人性的探讨与思考。

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电影制作的艺术：10位好莱坞导演的10大标志性视觉特色

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虽然昆汀·塔伦蒂诺并不羞于在银幕上展示他对脚的兴趣(在他的电影中，他经常至少一次框住女人的脚)，但他使用过度暴力的方式也很有特点。除此之外，这位天才导演还因在许多场合反复使用低角度视角而闻名。

昆汀·塔伦蒂诺并没有发明从 汽车 后备箱里捕捉胶片的电影镜头(因此有了“后备箱镜头”)，但这无疑是他的标志之一。他在这方面取得了如此辉煌的成就，也已经成为他电影中一个与众不同的部分。

“库布里克凝视”对任何人来说都不陌生。这位才华横溢的电影人在他的电影中融入了很多导演技巧，它采用了一种镜头构图的方法，角色的头稍微向下倾斜，从眉毛下面往上看，有时会露出令人毛骨悚然的微笑或鬼脸。

这样的结果通常会告诉观众，这个角色要么是真的很生气，要么是真的疯了，很显然，在电影中，被“库布里克凝视”的人很可能真的倒霉了。

让“诺兰御用”演员迈克尔·凯恩出演他每一部电影都算不上是视觉上的标志，克里斯托弗·诺兰精彩的电影中最引人注目的导演技巧就是“翻转”，也被称为镜头的转动，在这种转动中，镜头会把视野中的所有东西都翻转过来。

虽然“翻转”可以在多种情况下使用，但它的使用往往会引发观众的不确定性。同样，他的一个镜头经常出现在电影里，“让角色从背后看东西”，就像《蝙蝠侠：黑暗骑士》和《敦刻尔克》里都有这样的镜头，这也是他制作电影的一个特色标志。

从慢动作、360度镜头到大量使用特效，迈克尔·贝很喜欢展示震撼的大场面技术。在他史诗般的旋转镜头中，镜头慢慢地围绕着一个或多个角色，再到频繁地描绘巨大的爆炸，这位天才导演大胆地展示他的风格。

迈克尔·贝的电影往往有一个相似的情节，通常都是“大”的东西，这是他许多动作片最具标志性的特点。

斯派克·李无疑是21世纪最有影响力的导演之一。他的作品激励了许多人，并塑造了电影史。由这位电影制作人推广的双重移动镜头，已经成为他的标志性视觉特色。

而双重移动镜头由一个安装在沿着轨道移动的摄影车上的相机组成，这是一种用于创建稳定移动的镜头技术，双重移动涉及移动摄影车与摄影车上的相机以及相机操作员设置。虽然浮动的构图技术是李安电影重要组成部分，但充满活力的色彩也几乎出现在斯派克·李的每一部电影中。

韦斯·安德森是当今最 时尚 的导演之一。导演在创作许多美丽的电影时，不得不利用和谐与平衡的镜头——除了那些让每个热爱美学的人都倾心不已的镜头之外，几乎每个镜头都存在着强迫性的对称构图。

除了导演通过统一和一致来营造出的组合风格，柔和的色调也是他每部电影的必备元素。而御用演员比尔·默里之于韦斯·安德森就像迈克尔·凯恩之于克里斯托弗·诺兰一样。

凭借独特的镜头转换，导演埃德加·赖特在加速一系列角色动作（最终导致场景转换）方面是一位大师。虽然配乐也是他的标志之一，但快节奏的剪辑和快速的镜头无疑是使埃德加·赖特脱颖而出的标志性风格。

这种技巧经常被用于喜剧效果，比如他与编剧西蒙·佩吉的合作，包括恶搞僵尸的《僵尸肖恩》和科幻喜剧《世界尽头》。

马丁·斯科塞斯无疑是业内最受好评的电影人、制片人和编剧之一。虽然大多数影迷通常一看到斯科塞斯的电影就知道他是谁，但“长镜头”和“定格镜头”通常是他的电影特色。

在将观众带入影片《好家伙》里的“科帕卡巴纳夜总会”的3分钟时间里，导演使用了一个镜头，镜头随着一个对象在场景中移动，在较长一段时间内在场景中移动，完美地展示了电影发生的虚构世界。他的定格画面也是他令人难以置信的作品的一个标志——它们旨在捕捉电影中的某个关键时刻，强调它是多么短暂，并最终回到真实的情节。

著名导演弗朗西斯·科波拉的女儿本身就是一位技艺高超的导演。索菲亚·科波拉的电影中有很多反复出现的主题，但人们首先想到的可能是人与人之间的联系。这位魅力非凡的电影人对讲故事有着特别的偏爱，并慢慢建立起了自己独特的风格。

既然索菲亚·科波拉导演的电影非常欣赏亲密关系，那么在观众看来，还有什么比一个角色在重新思考他们所有的人生选择时望着车窗外更忧郁的呢？

达米恩·查泽雷的电影《爆裂鼓手》有一些影片最好的特写镜头——虽然这种技巧可以让演员与观众建立起强烈的 情感 联系，但它也很容易引起观众的不安情绪。达米恩·查泽雷熟练地做到了这一点。

在《爱乐之城》中，这位导演也运用了这种手法，将观众与米娅（艾玛·斯通饰）和塞巴斯蒂安（瑞恩·高斯林饰） 令人心碎的恋情之间建立了强有力的联系。

弗朗西斯·福特·科波拉的人物评价

科波拉是美国60、70年代涌现出的一批杰出导演之一。（腾讯娱乐评） 为20世纪60年代至70年代的电影人点亮了一盏明灯，是电影界的领路先锋。（乔治·卢卡斯评）

在艺术方面，科波拉别开天地另创一家；在商业上，他的作品获得了观众和票房的双重肯定。从《巴顿将军》为他捧回第一座小金人开始，科波拉为电影史创立了一座又一座的丰碑。《教父》三部曲在百年影史的各种排名中始终名列前茅，成就了他“电影教父”的地位；《吸血惊情四百年》华丽得有如一出意大利歌剧，在此之前从没有人敢把吸血鬼电影拍得如此奢华。（精品购物指南、新浪娱乐评评）

获得三项奥斯卡奖的《1917》为什么要用“一镜到底”？

战争片对于电影来说，真是个奇特的类型。

本次奥斯卡奖的大热门《1917》，也是导萨姆·门德斯凭借战争片首次斩获奥斯卡奖。获得三大技术奖项的《1917》，也代表了战争片未来的发展方向。

而在今年的奥斯卡颁奖季，作为黑马杀出的战争片《1917》，也获得了极大的关注度，而这部电影则是提供了一种新的手法去表现战争的真实，这就是所谓的———一镜到底。用长镜头，减少剪辑的方式来体现这一点。

说起萨姆·门德斯，我们可能一时间想不起这位导演的作品，也对他了解不多。其实门德斯是好莱坞为数不多精通艺术与商业两方面的电影导演。

于是，在《1917》上，我们看到了在整个一战背景下两位士兵的独角戏。其实门德斯的这种思想在他早年拍摄的另一部战争片《锅盖头》上面就初见端倪。

这就是一种反类型，与以往富有冲击的战争片大不一样。 但在《1917》上寻求新突破的门德斯绝对不会陷于故事表达，因为《锅盖头》的反响并不是很好，就像我们前面所说的那样，镜头语言对于战争片的影响是巨大的，就像《现代启示录》中科波拉赋予的艺术性的油画色彩去渲染“启示录”的风格一样。

《1917》选择了不同以往地用长镜头去讲述影片故事，而这对于摄影是个巨大的考验。好在，这部电影的摄影师是大名鼎鼎的罗杰·狄金斯。

影片全程的跟踪镜头，摄影机随着主角围绕和旋转，机位景别随着场景的切换，主角的走位变化着全景中景特写，平拍俯拍仰拍，总之不管是拍摄距离还是角度，导演都试图打破观影的平面空间，给观众呈现出一个立体式的自由的战争空间。并且，影片的声效和光效应用都相当出色，尤其在两位士兵穿越几乎无人的战场线时营造的紧张声音和两人在塌陷的地洞中的灯光布设都增强了体验感。

所以，电影人看待这部 《1917》，算是在今年颁奖季最有艺术含量的片子了 ，对于普通观众来说，观赏这部电影的最佳方式是去IMAX影院，毕竟你需要去感受这里面画面与音效带给你的冲击。

科波拉的影路历程

在刚刚被英国某杂志评出“史上百位伟大导演”中，作为唯一一名上榜的女性，索菲亚·科波拉的经历堪称传奇。

索菲亚·科波拉的“凤凰三重奏”

英国权威电影杂志《电影大全》近日评选出“史上百位伟大导演”，曾执导《迷失东京》、《绝代艳后》的索菲亚·科波拉成为唯一一名榜上有名的女导演。《电影大全》给她的评语非常独特，“做演员她表现垃圾，但作为导演却很有主见，她的作品能打破固有框框，展现出她勇敢、冷傲及爱幻想一面。”

这位出生于好莱坞名门世家，集模特儿、摄影师、设计师、演员、导演、编剧于一身的女人，虽然被人评价为“是个让人又爱又恨的女人，她几乎得到了一切她想要的东西”，但也曾经遭受唾骂被电影界遗弃，然而沉寂多年后，作为导演的她只用了三部大银幕作品就让无数之前不屑的眼神变成惊叹和赞赏。

盛名所累：她曾被电影遗弃

1971年5月，好莱坞的名门望族——科波拉家族喜添千金。科波拉家族在电影界的地位绝不亚于界的肯尼迪家族和布什家族，这位一出世就被家族光环笼罩，不用飞上枝头已是凤凰的女婴，正是索菲亚·科波拉。

她的父亲，家族掌门人是曾获奥斯卡最佳导演，执导经典黑帮电影《教父》三部曲的导演弗朗西斯·福特·科波拉。而有这样一位父亲的好处就是，索菲亚还在襁褓之中就被作为“道具”带上了银幕，在《教父》结尾作为接受洗礼的小婴儿出现，在无知无觉中便与观众打了个招呼。两岁时，她再次出现在《教父Ⅱ》中，饰演了一个在轮船上玩耍的儿童。从小索菲亚就跟着拍片的父亲奔波各地，“我在世界各地上学，就像一个随军的孩子。”在父亲的安排下，8岁的索菲亚开始了她的“正式演出”生涯，相继出演了老科波拉执导的《斗鱼》、《局外人》等多部影片和另外几位导演执导的电影，频繁在银幕上曝光。家族名望无疑给索菲亚带来很多机会和便利，但盛名之下的生活并不是一路凯歌。1990年，索菲亚18岁，坚持“上阵父女兵”的老科波拉在最后一刻用她替掉了由本已选定的薇诺娜·赖德在《教父Ⅲ》中出演的角色。这次的临阵易将非但未给第一次担纲主演的索菲亚带来任何赞誉，由于演技稚嫩，观众对科波拉家族“理所应当”有好表现的观念在索菲亚身上得不到回应，影片公映后媒体和对其大肆讨伐，人们嘲笑她的鹰钩鼻，批评她不够漂亮的脸孔，甚至在她饰演的角色被杀时影院观众齐声欢呼。当“可耻的裙带关系”，“一场令人发笑的表演，毫无前途可言”等刺耳的评论铺天盖地向索菲亚席卷而来，索菲亚遭遇了她人生第一个低沉期。

随后在《星球大战前传Ⅰ》里索菲亚的表演也被众人嗤之以鼻。第二年3月，美国“金酸莓奖”颁给她最差女配角奖和最差新人奖。面对这样的打击，在演完电影《InsideMonkeyZetterland》之后，索菲便无奈退出了银幕。

载誉而归：她因导演而成功

事业受挫的索菲亚离开了好莱坞，但或许天生注定和电影有不解之缘，作为演员表现失败的索菲亚将会以另一种身份回归电影界。

据说，在索菲亚还只有3岁时，有天老科波拉和太太突然在车上大吵起来，在吵得不可开交之际，索菲亚突然大喊一声：“Cut！”从那一刻起，老科波拉就认定这个小女儿将来会成为导演，因为她已经知道如何掌握失控的现场。1998年，离开电影界快10年的索菲亚尝试导演了一部仅长14分钟的短片《LickTheStar》。虽然短片在威尼斯电影节上赢得了一些褒扬，索菲亚却还没有底气说“我要成为一名导演”。

1999年是索菲亚人生的一个重要转折点。她被小说《之死》吸引，那种对难以忘怀的青春期故事的描写牢牢抓住了她。“我很想把它拍成电影，”索菲亚说，“它激发了我的创作。”索菲亚开始埋首创作，最终拿出的剧本好得令电影公司不惜弃用原稿，甚至请她亲自执导该片。

这次索菲亚以导演身份重出江湖，耍出了一记漂亮的回马。

在《之死》中，索菲亚细腻地营造了一种哀怨的怀旧格调，流露出的青春期少女的深邃忧伤震惊了世界。影片一上映，就受到近乎狂热的欢迎。《之死》令索菲亚荣获了“好莱坞最佳年轻导演奖”和“MTV电影制作最佳新人奖”两项殊荣。在戛纳电影节首映时，它被盛赞为“让人为之一振的导演作，可以拿金摄影机奖的影片！”她通过自己的才华和努力，让人们重新把目光聚焦于科波拉家族。索菲亚兴奋地说：“第一次在如此声名显赫的家庭之外发出了自己的声音，真令人兴奋，这对我来说意义重大。

如果说《之死》让索菲亚顺利地在电影界立稳脚跟，那么第二部作品则把她推到了舞台的中心。2003年，由索菲亚再次编剧、导演，投资仅400万美元且只有了27天就拍摄完成的《迷失东京》使她再次成为焦点。索菲亚坦言自己是王家卫迷，该片的创作灵感来源于王家卫的《花样年华》。影片讲述了两个陌生美国男女在东京相遇的故事，索菲亚精妙到位的拿捏使影片流淌出不可抵御的忧伤和迷离却又不失温情脉脉。《迷失东京》成为当年最受瞩目的电影之一，获奖无数。其中包括威尼斯电影节最受欢迎影片奖、金球奖最佳电影剧本奖，囊括美国“精神奖”最佳影片、最佳导演、最佳电影剧本和最佳男主角四项大奖，同时获得第76届奥斯卡金像奖4项提名并最终拿下最佳原创剧本奖。索菲亚因此成为第一个获得奥斯卡最佳导演提名的美国女导演。

2006年，索菲亚大胆地把法国国王路易十六的皇后玛丽·安托瓦内特搬上银幕。号称每次拍摄都需四小时的造型，被称为索菲亚“最野心勃勃的影片”的《绝代艳后》，在第79届奥斯卡颁奖典礼中，摘得“最佳服装设计奖”桂冠。

作为一个只拍过三部电影的导演，在英国电影杂志《电影大全》近日“史上百位伟大导演”评选中，索菲亚赫然上榜，且成为唯一一位被选中的女导演。

索菲亚效应：时尚界的“缪斯女神”

在那段离开好莱坞的时间里，索菲亚对时装和摄影产生了浓厚兴趣。天意从来就偏袒这位天之骄女，她一直是时尚界炙手可热的宠儿。她所引领的潮流指标更被誉为“索菲亚效应”而风靡欧美，不断获得国际时尚媒体的赞誉。独特的衣着品位和设计风格令她在时尚圈里大放异彩，索菲亚还曾被美国时尚杂志《名利场》授予年度十佳衣着奖。

早在加州艺术学院上学的时候，身材高挑的索菲亚被著名时装大师朗格·斐邀请当“香奈儿”的代言人。除了在T形台上散发魅力之外，索菲亚更渴望成为一名艺术家，天资聪颖的她不断尝试每个艺术领域，曾浅尝绘画与摄影，另外还随设计师卡尔拉格福德学习服装设计。后来索菲亚加入服装品牌X－Large成为其合伙人，激发起索菲亚创业的劲头。经过一番努力，属于索菲亚的休闲时装品牌“MilkFed”终于诞生。1997年，MilkFed获时尚杂志评选的最佳时装品牌之一。

此外，她还身兼法国名牌LV设计总监马克·雅格布的潮流顾问，马克的个人品牌时装每季都以索菲亚为潮流指标。还将一款手提包命名为“Sofiabag”，这款红色的豪华鳄鱼皮手提包售价更是高达近7000美元，被列为马克·雅格布设计的十大手提包之一。

之后索菲亚又把精力转移到摄影跟视觉设计。她专为《时尚》、《》、《细节》等杂志拍照，这为她后来在电影里定位独特的视觉风格奠定了基础。

美国电影《绝代艳后》里的服饰是哪个年代的？什么风格的？

绝代艳后》

奥斯卡拉动今夏复古风

本届奥斯卡打败《满城尽带黄金甲》而获得最佳服装设计奖的《绝代艳后》，是现在欧美最热的时尚话题。今年很多的服装秀都脱不开这部影片的影子。

著名导演索菲亚·科波拉这次的服装设计简直可以用美轮美奂来形容，片中四处流转着路易十六宫廷里奢靡到极致的繁复之美。一会儿是以粉红底子小碎花点缀的十六世纪钟形篷裙，一会儿是像极了chanel的紧身对襟上衣，一会儿出现一顶俏皮的粉红羽毛小帽子。

美国权威的《时尚》也不禁对这样的服装发出赞叹，去年9月号他们以女主角克里斯滕·邓斯特在片中造型为封面，花费了20页的内页细数其中的时尚元素，完全肯定了影片中所流露的复古情怀。

而今年最新的春夏发布会上，各大服装品牌，LV、GUCCI等都加入了十六世纪欧洲的元素，繁杂的花边裙，艳丽的彩妆，高达十厘米镶着金钻的高跟鞋。

所谓真正的哥特风...

哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

【哥特文学流派】

从18世纪末以来的一些文学作品，因为具有共同的基调与文体而被归类于“哥特小说”。例如：华尔普（Walpole）的《奥特朗托城堡》（The Castle of Otranto）、安·拉得克里夫（Ann Radcliff）的《奥多芙的神秘》（The Mysteries of Udolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侣》（The Monk），当然还有玛丽·雪莱（Mary Shelley）的《科学怪人》（Frankenstein）。这些作品戮力于处理残酷的与超自然的恐怖主题，而小说的背景通常建构于荒凉的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少男少女）身陷于无以摆脱的魔欲，和（通常是阳性的）施虐者展开一段以死亡为终结的际遇……在这些小说中包含的情欲/性别（sexual/gender）的关系，古怪地纠缠于神圣与魔鬼的角力；极度的来自于破灭（也就是仪式的“完成”）的那一刻。象征父权的宗教系统与企图超越的的黑暗（阴性）力量，在某种不可明说的层面，其实隐讳而酷异地分享著“爱欲交配死亡”的快感模式。在当代的恐怖小说阵营中，象安妮·莱斯（Anne Rice）的作品《吸血鬼纪事》（The Vampire Chronicles）就流露出男情欲与父性机制的复杂互动。

这一时期许多哥特式小说家不断涌现，不仅哥特文学是对人类自身黑色阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。哥特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如布来恩·斯托克的《德古拉伯爵》（Dracula），还有埃德加·艾伦（Edgar Allan）诗集中的描写。斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度。（当代作家安妮·莱斯（Anne Rice）的《夜访吸血鬼》（Interview with the Vampire）和布莱特（Poppy Z. Brite）的《勾魂时分》（Lost Souls）等作品也是斯托克式的延续。)到了20世纪的70年代，朋克作为一种亚文化侵入了主流文化的领域。原始的朋克来自于暴力和强大的。而原名为“华沙”（Warsaw）的“快乐”（Joy Division）的出现，无疑将这场充满了破坏和无主义的朋克运动带进了后朋克（Post-Punk）时代。

不过以上只是一种类型,历史上还有许多更好的作品,

【哥特音乐流派】

早期的后朋克对于生命的诠释往往饱含着沮丧与绝望。例如快乐（Joy Division）的主音歌手伊恩·柯蒂斯（Ian Curtis）于80年的自缢身亡。那些耗损生命而成的音符，成就了快乐（JoyDivision）的不朽经典，见证着整个低调文化。他那套灰暗而孤离的人生观，隐藏着阴郁的遗传因子，将整个后朋克文化尽染成深灰与暗黑。八十年代，在迂落的音乐里构筑了一个悲观的年代，至少在英伦及欧陆地下文化的层面上来说如此。在当时的音乐圈里，趁势涌出一大批黑暗病态、风格邪异的乐队，他们的音乐源自于无尽的压抑，以及对生命的诅咒。如教会（The Mission），所有的夏娃（All about Eve）、列伏林之地（Fields of the Nephilem）、祭仪（The Cult）等等。这些被视为绝望、邪气、颓废的乐队/乐手，从朋克那种过激的破坏意识，反方向潜逃往一个内敛而黑暗的世界——这就是那个占据了摇滚乐大半个八十年代的低调音乐时空。哥特摇滚在英国地下音乐圈的形态与演进，正犹如一派邪教降临大地时伸出巨魔的手掌。它通过难以想象、天马行空的邪异素材来悦纳听众，这就不仅包括了在音乐领域圣灵齐放的空前创造力，也包括了在视觉造型上，所给予人们的前所未有的刺激视觉体验。中性化的身份造型，浓妆艳抹的打扮，这些并非新浪漫一族的专利。哥特仿佛是新浪漫的个性相反的孪生兄弟，是华美艳丽背后黑暗病态的一面。现在让我们去了解一下哥特音乐的改良风格和其他相关乐派.产生于比利时的EBM(Electronic Body Music)是一种电子化阴冷黑色的音乐。受德国Krautrock运动中Kraftwerk之类电子乐队的影响下产生的。

说到现在我们还没有谈到德国，那里可是现在哥特音乐的重镇。许多德国的乐队被惯以DARKWAVE的音乐标签。Project Pitchfork乐队是德国最早涉及到哥特音乐领域内，虽然他们的乐风有所改变，但一直算是一支流行化的组合。首张专辑《Dhyani》亦为经典，有典型的黑色音乐和评论性的歌词组成。Deine Lakaien乐队的成员有着深厚的音乐基础，他们做出了象“Love me to the end”这样的浪漫主义歌曲。作品带有着某种程度的中世纪感觉。德国很大一部分组合演唱时保持着自己的母语，例如Goethes Erben，乐队的名字也就说明了一切。他们的前三张专辑就象是三部曲,各自又相互关联。而Lacrimosa，Tilo Wolf这些乐队通过添加金属乐的元素不断的对音乐的表现手法做出尝试。当然我们必须要知道Das Ich这个组合，他们的经典专辑是《Die Propheten》，专辑中的歌曲机构复杂歌词充满着智慧化。阴暗电子乐派代表团体Calvay Nada用德语和西班牙语交错演唱，他们最有特点的是主唱Brenal的低音，而歌词方面多涉及，社会之类的话题，从这方面看这支乐队在哥特音乐王国中显得与众不同。

当然许多乐队的风格是非常难以界定的，象意大利的Take Kirlian Camera，20年来乐队风格年年都有变化。而法国的情欲主义阴暗电子乐队Die FORM的音乐主题多涉及S/M（性），他们每一部作品多给我们带来新的惊奇。另一支来自法国的乐队Collectiond 'Arnell Andrea的钢琴声非常有特点，成为自己的独特的标志。善于创作管弦乐的In the Nursery乐队的作品非常适合作为电影中的陪乐。在北欧的瑞典，Cold Meat Instry这个厂牌通过多年的努力推出了很多独一无二的音乐作品。旗下的乐队风格多样，如血腥派实验乐队Brighter Death Now和Deutsch Nepal，氛围音乐组合Raisond 'Etre，新古典主义的The Protagonist，天音组合Arcana等。说到天音如果想更好的了解建议去听一听like Love is Colder than Death,Black Tape for a Blue Girl，Stoa这些代表乐队。

而在哥特音乐的文本中，我们可以细味到一些涉及宗教、、死亡、绝望、以至匪夷所思的虚无论语句，这些都是哥特音乐不可或缺的一环，Gothic Rock，这覆盖在影像模糊、虚无飘渺的外在躯壳之下的音乐，一切都是那么神秘。哥特摇滚的风格，可说是继承自Joy Division的遗传，尤其是那种把贝司提升至主奏位置的癖好，直至今日的后哥特朝代仍无法完全摆脱。那些抑压着低沉声线或扭曲的人声，沉重如郁结般的贝司，迷幻的吉它声，充满控诉力的鼓击，偶尔发出鬼哭神号般的嘶叫，如同石磨般沉重或是狂野得分崩离析的曲式，还有一张张Rock Music苍白的面孔∶当你对生命感到茫然无助时，你会想到在它背后究竟隐藏着什么吗？是心灵的孤立无援？是死亡阴影的笼罩？还是人世间的悲剧？Gothic Rock，是建筑于无意识的抽象表达而多于刻意性的音乐行为。如同面临一季暗晦的寒冬气候，我们被哥特文化侵占，在非人化的后工业现代社会里面，追逐着一种活着死亡的体验。同样存在着Barry的音乐先觉，除一贯本色的Rock Music在那个悲观的八十年代里，Gothic这种栖身于主流文化的阴影里的次文化，其影响力早已越过音乐的界限，成为一种生活方式，一种生活的态度，一个哥特信徒所追求的黑色国度。度过模糊的九十年代，下个世纪今天的哥特摇滚已被解构得支离破碎、残缺不全，The Sisters Of Mercy，The Mission这些昔日的哥特守护神也早已离弃了他们的信徒。但是在今日的阴暗乐派(Dark-Wave)运动中，在死亡民谣(Death Folk)、后工业噪音(Post-Instrial)、阴暗氛围音乐(Dark Ambient)以至新古典(Neo-Classical)这些形式主义的风格外壳之下，我们仍然欣喜地发现Gothic依然是这些地下文化中最具生命力和影响力的遗传基因。在这场突破和冲决了情欲与性别的中，歌德次文化追求所谓的理想典范“阴阳同体”（hermaphrodite）成为了砸碎禁锢的美丽武器。看吧，以往被视为妖魔的异类勇敢地摆脱了苍白的天堂，绞碎天使的面孔，抵达永远无情的。

在20世纪的后半期侵入非主流音乐的大花园，成为另类音乐中极为殊异的一个支脉。如果你熟悉新音乐历史脉络的话，就会知道大约从70年代末到80年代，一些乐队分别顶著“后酷朋克（Post Punk Cool）”、“新古典（Neo-Classical）”或者是“新嬉皮（Neo-Hippies）”的招牌，并逐渐混融成日后的哥特摇滚乐派。

不可否认，“死亡”在哥特摇滚乐的文化层面中，几乎是个关键字。当某些保守的声音或反挫势力，企图以这一点来抨击哥特摇滚乐与其次文化，我们可以看到两种回应：如“徒之死”（Christian Death）这个经营黑暗、痛苦情愫的乐队，对他们而言，死亡所演绎/延异出来的、末世、毁灭等等情境，都足以让我们近“终极”（ultimateorgasm）。在一些专辑如《痛苦剧场》（Only Theater of Pain）、《天使的狂怒》（The Rage of Angels）、《铁面具》（The Iron Mask）中，“徒之死”悉心探索的重心就是这种近乎临界点的痉挛之美。在其中一首歌曲“死欲”（Death Wish），结尾的歌词近乎狂喜地陈述“撒旦魔王是最仁慈的野兽”，配合凄厉的音乐，不啻狠狠地嘲弄了宗教/父权体系粗暴地规范在各种事物之上的二元对立价值观。

另一种反应，也许可以引述布莱特（Poppy Z.Brite）在吸血鬼小说选集《血脉深处的爱》（Love in Vein）前言中所说的话：“哥特次文化”（Gothic subculture）并不是礼赞或者爱慕死亡，只是纯粹地拒绝畏惧它。在探索死亡的过程，慢慢地和它体肤与共，逐渐与它亲近。”这段话正好解释为什么像“涅浮林之域”、“还有这些树”（And Also the Trees）、“意志”（Will）、“利姬雅”（Lycia）、“The Morendoes”等乐队，会不可自拔地沉浸于“与死去的君王交欢”的髑髅式意象（macabreimage），同时又在这般异端的情欲里浮生出细致的张力。此外，死亡不必然是生命的匮乏，顺着这些创作者的脉络、以及在许多异教神话或恶魔学发现的象征与寓言，死亡可能是贴近超自然、非人类领域的出口。

在此际90年代的中后期，哥特次文化不但在文学与音乐创作层面绽放，更影响了这个“混杂族群”（包括女性、酷儿、情欲的边陲份子）的文化生态与身份认同。在情欲与性别的，哥特次文化追求所谓的理想典范“阴阳同体”（hermaphrodite）虽然还值得更进一步检验，但也是有助于冲迫禁制的美丽武器让过往被视为妖魔的异类（它者）摆脱单一的天堂，品味自身的与天使的尸体。

如何识别哥特(乐队、哥特族、风格、建筑)

如何识别一支哥特乐队？

1、此乐队的音乐气氛怪诞且超现实。

2、此乐队的歌词包含哥特主题。

3、乐队成员的外表十分哥特化，一水儿黑。

4、乐队自称哥特乐队，和其他哥特乐队一起演出，并出现在哥特合辑当中。

5、来自于四大哥特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的乐队。

如何识别一个哥特族？

性格：害羞且不爱交际。

艺术倾向：艺术，特别是音乐、摄影和绘画。人文，特别是文学、历史和哲学。

着装：永远的黑色或暗色衣服。显眼的宗教饰物，但却几乎天天改变信仰，永远不戴金首饰。

什么是哥特风格？

音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“哥特风格”。

再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。

那么，若是哥特与音乐的联姻，则任意地写作了GothicRock。哥特音乐在字典中又做出了另一种解释：热烈的混合了各种乐器，秉持着悲观绝望的终极价值观，透露出启示录般神秘虚空的歌词。在1800年左右的浪漫主义运动中（ROMANTICMOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘主义中寻求理想，还有些人试图从自然中得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中哥特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和哥特作家象Byron,Shelley,Baudelaire还有Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。哥特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象CasparDavidFriedrich对黑暗和荒凉的展现。

哥特音乐往往取材于挖掘和放大的人类感情世界，并在创作的过程中提升了这种自发的感性体验，所以当它再作用于受众（借用新闻学的概念，指接受群体）时，常会引发进一步的审美感情和思考空间。如果一种音乐引发的不只是艺术上的欣赏,同时还上升到哲学上的反思,以至影响到个人的信念和价值体系的改变，甚至到对生命本原及终极意义的质疑,那么它的控制力就无法言喻了。

正是籍由以上原因，我产生了把哥特音乐归于一种宗教的想法。 当然我的意思并非指哥特音乐的核心是宣扬宗教。事实上它并不比其它的音乐形式更具宗教性，至少大多数乐队的创作目的并不是为了传播某种宗教信仰，甚至有些极端的乐队旗帜鲜明地宣扬反宗教。我在这里所谈论的宗教不是指教、天主教或东正教等具体的实体，而是一种广义上的概念。

【哥特式建筑】

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。

哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

飞扶壁由侧厅外面的柱墩发券，平衡中厅拱脚的侧推力。为了增加稳定性，常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体。

【欧洲各国的经典哥特式建筑】

德国最早的哥特式教堂之一科隆主教堂于1248年兴工，由建造过亚眠主教堂的法国人设计，有法国盛期的哥特式教堂的风格，歌坛和圣殿同亚眠教堂的相似。它的中厅内部高达46米，仅次于法国博韦主教堂。西面双塔高152米，极为壮观。

德国教堂很早就形成自己的形制和特点，它的中厅和侧厅高度相同，既无高侧窗，也无飞扶壁，完全靠侧厅外墙瘦高的窗户采光。拱顶上面再加一层整体的陡坡屋面，内部是一个多柱大厅。马尔堡的圣伊丽莎白教堂西边有两座高塔，外观比较素雅，是这种教堂的代表。

德国还有一种只在教堂正面建一座很高钟塔的哥特式教堂。著名的例子是乌尔姆主教堂。它的钟塔高达161米，控制着整个建筑构图，可谓中世纪教堂建筑中的奇观。砖造教堂在北欧很流行，德国北部也有不少砖造的哥特式教堂。

15世纪以后，德国的石作技巧达到了高峰。石雕窗棂刀法纯熟，精致华美。有时两层图案不同的石刻窗花重叠在一起，玲珑剔透。建筑内部的装饰小品，也不乏精美的杰作。

德国哥特建筑时期的世俗建筑多用砖石建造。双坡屋顶很陡，内有阁楼，甚至是多层阁楼，屋面和山墙上开着一层层窗户，墙上常挑出轻巧的木窗、阳台或壁龛，外观很富特色。

【哥特着装】

任何黑色的东西，或其它暗色，如海军蓝、深红。可以透(薄尼龙或渔网状面料)，但不露。银饰。苍白的皮肤。这可能是因为他们需要一种活死人的外表，也可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美，也可能是反对沙滩文化里“太阳晒出的古铜色才是美的”健康理论。

黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。黑白化妆。白色粉底。黑唇膏，黑眼影，细眉。

自我束缚的装饰和恋物癖的服装。皮革、PVC、橡胶、乳胶都是必不可少的面料。中世纪的束腰也极为常见。宽领带或逞钉子的项圈或紧紧系在脖子上的丝绒绳。

T形十字章(古埃及关于永恒生命的标志)。五角星。这是异教徒关于火、土地、空气、水、灵魂的符号。十字架(教的象征)。

歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。哥特族们一般不会像朋克们那么极端，他们会讲些品位。

【哥特电影】

在整个80年代，值得一提的哥特电影得算1983年好莱坞出品的《》。这部由托尼·斯科特导演、凯瑟琳·德纳芙和苏珊·萨兰登主演的影片同样以吸血鬼为题材，但在这部影片中，吸血鬼角色不再是男性的专利，而是把女性吸血鬼作为了主角。当然在此前的影片中，也出现过女性吸血鬼，但都没有什么太大的影响。而这部影片则彻底突破了吸血鬼的既有形象，为我们塑造了一个优雅、迷人而又危险的女性吸血鬼的标准形象，也成为后来者模仿的标版，在此后的影片中所出现的女性吸血鬼角色，大多离不开《》中所塑造的那个模式。

直到上个世纪90年代，哥特电影才真正迎来了发展的黄金时期。在这个时期，哥特电影不仅在欧美，更在全世界掀起了一浪接一浪的。1990年，一个名叫蒂姆·波顿的导演找到了一个名叫强尼·戴普的演员，联袂为我们贡献了一部名为《剪刀手爱德华》的影片——自此，哥特电影复兴的大幕在好莱坞被彻底掀开了。作为一部当代里程碑式的哥特电影，《剪刀手爱德华》的意义是怎么评价也不为过的。这部影片没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷……天才的蒂姆·波顿把古老的哥特文化和当下的时代背景天衣无缝的融合在了一起，给哥特题材注入了全新的生命力，从而在根本上拓展了哥特电影的题材范围。蒂姆·波顿也借此逐渐成为当代最伟大的哥特电影大师，他和强尼·戴普这一对黄金搭档也配合得天衣无缝。1999年的《断头谷》就是二人再次合作的结晶，这一次波顿开始出人意料的直接以巫术为题材，为我们描述出世纪末一曲凄婉、仇怨、令人回味无穷的哥特哀歌。

《剪刀手爱德华》的成功坚定了好莱坞制片人们投资哥特电影的决心。1992年，大名鼎鼎的德库拉伯爵终于再一次粉墨登场了。这一回，掌镜的是好莱坞“教父”级导演科波拉。科波拉网罗了一大批好莱坞明星，大手笔的给我们讲述了一个横亘数世纪的爱情故事，这就是电影《惊情四百年》。《惊情四百年》以好莱坞的方法彻底重构了德库拉伯爵的故事，从而给流传了几百年的德库拉传说赋予了全新的意义。影片大气恢弘，特技眼花缭乱，加上好莱坞的宣传攻势，很快席卷了全球的电影市场。

90年代初的哥特电影浪潮并不仅止于此，越来越多的电影人都开始对哥特题材感兴趣。1994年，爱尔兰导演尼尔·乔丹振臂一呼，好莱坞三大帅哥便齐集麾下，为我们集体奉献了另一部堪称史诗的伟大哥特电影——《夜访吸血鬼》。对一般影迷来说，《夜访吸血鬼》最大的看点恐怕在于汤姆·克鲁斯、布拉德·皮特和安东尼奥·班德拉斯的联袂演出了，但影片本身并不逊色，绝对可以称得上是吸血鬼题材的集大成者了。影片的时间跨度达数百年之久，而且地域也横跨欧美两大洲，向我们全景式的展现了一个与人类社会并存的吸血鬼世界，并别出心裁的以吸血鬼的视角描述出了它们自己的心路历程。《夜访吸血鬼》是如此的成功，以致于我们甚至可以断言，吸血鬼的故事就此可以画上一个句号了，在此后20、30年乃至更长的时间里，也不会有超过他们的同类型电影了。

在吸血鬼电影大获成功的同时，另一部名为《乌鸦》的电影闯入了哥特影迷们的视野。相对于好莱坞主流大制作而言，《乌鸦》显得更、更另类、也更cult一些。这是一个有关灵魂转世和复仇的爱伦·坡式的哥特故事，诡异的巫术气质贯穿全片，影片的摄影、化妆等等细节也无一不渗透出哥特的氛围，例如自始至终的阴暗场景，例如演员脸上涂抹的白色油彩……《乌鸦》对哥特文化淋漓尽致的诠释甚至为它赢得了“哥特教科书”的美誉，对一个死忠的哥特影迷来说，只有《乌鸦》是最哥特的，也只有《乌鸦》足够哥特。当然，《乌鸦》的成功也使其续集的拍摄很快提上了议事日程，但它的三部续集只有1996年的《乌鸦2：天使之城》算得上是成功的，后面两部《乌鸦3: 鸦魔战士》和《乌鸦4: 祈祷》就能说是差强人意，一部不如一部了。

对哥特电影来说，1994年确实是值得纪念的一年。除了《夜访吸血鬼》和《乌鸦》以外，另一部哥特电影《人狼生死恋》也是在这一年首登大银幕。本片是关于哥特题材中另一个经典形象——“人狼”的抗鼎之作。在影响力和艺术成就两方面，《人狼生死恋》都超越了以往所有同类题材的影片，可以说，是《人狼生死恋》的成功使人狼的形象真正成为人类电影艺术长廊中的一个典型形象——不过很显然，相较于它的另一位“哥特兄弟”吸血鬼来说，人狼在电影世界里的成功的确是有些姗姗来迟了。

除了好莱坞，1994年的意大利电影《魔诫坟场》同样是哥特电影的杰出代表。这部影片在哥特文化中融入了意大利人所特有的幽默感，令人耳目一新。

时至今日，史诗性的哥特电影浪潮已经过去，但哥特电影的题材越来越广泛，同时，哥特电影也开始向传统的类型片靠拢，逐渐融合了其它传统类型片的特点，使得观众们接受起来更加容易。2003年的美国影片《吸血鬼女王》就是个中代表。这是一部以经典吸血鬼题材为主题的电影，但在这部影片中，融合进了街头文化、黑人文化的特色，吸血鬼也摆脱了以往白人男性贵族的身份设置，而是以黑人女性的面貌示人。全片节奏明快，音乐强劲，可以说，这是一个黑人街头版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜传说》和2004年的《范·海辛》则反映了哥特电影的最新发展趋势。这两部影片都结合了好莱坞惯用的动作片特点，极尽动作、打斗之能事，如果去掉其中的哥特背景，则是不折不扣的动作片。而且，两部影片都以哥特文化中最经典的两大传统形象——吸血鬼和人狼为主角，在银幕上让二者大打出手。《黑夜传说》讲述了人狼和吸血鬼相爱的哥特版的罗密欧与朱丽叶的故事，《范·海辛》则以传统的德库拉故事为母题，把其中的吸血鬼克星范·海辛博士直接变成了人狼，倒也别有一番趣味。

【哥特存在的理由】

无数个剧黑的夜晚，月光冷冷地包围着一切。空中划过锐利的线条，像是发掘世界最深的罪恶。生命紧紧地依附着死亡，渲染着黑暗和绝望。Gothic（哥特）的命名是从德国的“Goth”部落由来的，Goth人入侵了意大利并推翻了罗马帝国。在15世纪，人们普遍带有着文艺复兴的观念，希望回到古典时代。介于古典时代和文艺复兴时期的这段时间被称为中世纪。因为意大利记恨Goth人毁掉了他们的罗马帝国，文艺复兴时期的人们始终对中世纪带有着否定的术语，他们称这一时期为“Gothic”。意味着野蛮和粗野。当然我们要看到事物的双面性，中世纪给世人留下了很多宝贵的文化遗产和杰出的艺术作品。这时期的建筑技术上有了突破式的改进，产生了像NOTRE-PAME这样的哥特式大教堂。哥特式的艺术不仅仅体现在建筑上，从12世纪到16世纪的早期，雕刻，玻璃制品，装饰物等都贴上了哥特艺术的标签。宗教在哥特艺术作品中起到了很重要的因素。画家，雕刻家们比起用现实主义的方法表现主题更多的运用宗教的感觉。不管怎么说，文艺复兴时期的人们很显然对“Gothic”这个词汇是含蓄的否定。

哥特不是宗教、不是、与种族、性别也无关。大多数哥特乐队都是非宗教的甚至是积极的反宗教乐队。那些吸血鬼、天主教、古埃及和异教的视觉信号只是在传达“黑暗的力量”，以联系至哥特音乐的感觉。

哥特族们与其他同年龄的社会团体一样同样存在社会倾向，你会发现哥特族中最大的倾向实际上是对的极度冷漠，因为几乎所有党派的观点听起来都是一样的，而且毫无用处。

很多人被一种毫无快乐和成就感的生活所主宰，这很不幸。但是哥特使这种消沉的感觉成为了生活方式的一种，换句话说：痛苦就是我的生活选择——这是一种艺术。

哥特同时也许还是一种精神疗法。如果你对一个属于主流社会的白领仔细谈起你上次自杀未遂的经过，那么他可能会带着一种奇异的眼光躲你躲得远远的，在阳光灿烂的日子里你或许还可以得到廉价的同伴永远不会为你感到难过，你手腕上的伤痕会得到认真的尊重，“你很酷！”所有感到与社会格格不入的人都会在哥特族中找到自己的位置，因为这里的每一个人都是独一无二的。

后歌特时代是由上世纪80年代的PUNK的一条分支，

后来又分别和民谣，工业，结合，产生硬核，死金，黑金。

比较主流的歌特乐队有污秽摇篮，NIGHTWISH，KINGDONW,还有SOPORXX......

简述哥特式艺术特点和成就

最初哥特是做为德国古民族的一支的称谓而被世人所记住的，他们曾经打败并入侵过罗马帝国，并最终使其崩溃。而15世纪在意大利掀起的文艺复兴运动中的艺术家们将古希腊古罗马文明结束至文艺复兴运动开始这其中由教会势力统治的漫长岁月称之为“黑暗的中世纪”（Dark Middle Age），并将这段时期中所产生的艺术形式统统归为哥特艺术。自然，从当时那些文艺复兴艺术家们的本意看来，哥特这个词最初绝不是什么赞扬或崇敬(因为意大利人记恨哥特族毁掉了他们的罗马帝国)。它意味着粗野、不开化。事实上，从现代角度来看，中世纪艺术并不象当初他们所形容的那样一无是处。相反，很多相当有造诣的作品保留了下来并影响着后世。例如哥特式建筑、雕刻、玻璃器皿、灯式、装饰画等等。在这些哥特艺术当中，宗教题材扮演着极其重要的角色。

18世纪末19世纪初欧洲开始的浪漫主义文化运动使得哥特和中世纪再一次被当时的文化界所关注，浪漫主义崇尚个性解放，情感，自由。是对西方近代唯理主义、物质主义思潮的一次反动。是人性对工业文明的反抗。具有反传统和非理性色彩，其中审“丑”第一次做为美学概念出现在大众面前。他们用各种手段创造着自己的艺术，其中宗教、超自然、中世纪题材频频出现，而哥特做为一种形而上的醒目、黑暗、奇异符号被浪漫主义艺术赋予了新的内涵。其中颓废派作家Byron（拜伦）、Shelley（雪莱）、Baudelaire和 Verlaine对人类的阴暗面都非常感兴趣。性困扰则成为了浪漫主义文学所关注的另一个重要主题，背德的和罪孽，付之行动后的苦恼与喜悦每每被作者和读者玩味不休。在视觉艺术领域，诸多浪漫派画家（如Caspar David Friedrich）非常偏爱哥特题材，那些荒芜、萧瑟、黑暗的景象被浮现于画布当中。建筑领域新哥特风格的教堂再一次成为了时尚。在这些艺术领域艺术作品中，哥特小说应该被着重介绍给大家。此类通俗小说在18世纪相当时髦，书中描绘了大量荒诞不经的奇谈怪论和黑暗历险故事，融合恐怖、神秘、元素。艾伦坡的“乌鸦” Bram Stoker的“吸血伯爵Dracula”，玛莉雪莱的“佛兰肯斯坦”都是其中的名著，特别是Stoker开创的吸血鬼文化可谓历久不衰，在当今时代都能吸引到无数的追随者和爱好者。例如创作出“夜访吸血鬼”等新哥特小说的当代作家安妮 莱斯。这些作品大大超出了当时社会所能容忍的限度，因此被官方文化界所不齿。

英国文艺复兴时期的戏剧创导了后来的歌特小说。这时期的英国戏剧深受古罗马剧作家塞内加（Lucius Annaeus Seneca）的影响，充满复仇、阴谋、暴力和凶杀，甚至还有鬼魂出没，因此情节惊险刺激。特别是莎士比亚的剧作和詹姆斯一世时期的悲剧（Jacobean Tragedies），对哥特小说的出现与发展更是产生了巨大影响。

浪漫主义：离阴暗恐怖只有一步之遥

在1800年左右的浪漫主义运动中（ROMANTIC MOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文 化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘注意中寻求理想，还有写人试图从自然中 得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中歌特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和歌特 作家象Byron, Shelley, Baudelaire还有 Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。歌特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象Caspar David Friedrich 对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新歌特式逐渐成为时尚。这一时期许多歌特式小说家不断涌现，不仅歌特文学是对人类自身黑色 阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。歌特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利.雪 莱的Frankenstein,布来恩.斯托克的Dracula,还有Edgar Allan 诗集中的描写.斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度.(当 代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z. Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延续.)

中世纪的艺术曾被认为是一种怪诞的艺术，是外国人和蛮族人的产物。后来人们试图用这个定义表示与哥特人毫无关系的、十七世纪中叶兴起源于法国的艺术。

到了18世纪后期，哥特一词又成了一种新的小说体裁的名称。这种小说通常以古堡、废墟或者荒野为背景，故事往往发生在过去，特别是中世纪；故事情节恐怖刺激，充斥着凶杀、暴力、复仇、、，甚至常有鬼怪精灵或其它超自然现象出现；小说气氛阴森、神秘、恐怖，充满悬念。作为一种小说体裁，哥特小说产生于1764年。那一年，贺拉斯•瓦尔浦尔（Horace Wapole）出版了著名小说《奥特朗托城堡》（The Castle of Otranto）。小说出人意料地成功，不到4个月就出第二版，在这一版上，瓦尔浦尔为书名加上副标题“一个哥特故事”（A Gothic Story）。这种小说因此而被命名为哥特小说。

二百多年来，在英美，不仅通俗作家热中于哥特作品的创作，而且许多第一流的诗人和作家，比如英国的司各脱、柯勒律治、拜伦、雪莱、济慈、狄更斯、勃朗蒂姐妹、康纳德、福斯特、戈尔丁和美国的布朗、华盛顿•尔文、爱伦•坡、霍桑、马克•吐温、詹姆斯、福克纳、奥康纳、莫里森等人都要么直接创作过脍炙人口的哥特故事，要么把哥特小说的手法大量运用于创作之中，使哥特小说从通俗小说这一文学领域的“边缘地位”得以进入文学的中心和文学发展的主流，从而在英美文学中逐渐形成了十分突出的哥特传统。

在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓的「歌特复兴」（gothic revival），将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓窖挖掘出来。同时，从18世纪末以来的一些文本，因为共同的基调与文体被归类于「歌特小说」例如华尔普（Walpole）的<奥蓝托城堡> （The Castle of Otranto）、安.拉得克里孚（Ann Radcliff）的《奥多芙的神秘》（The Mysteries of Udolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侣》（The Monk），当然还有玛丽.雪莱的《科学怪人》。

这些作品戮力於处理残酷的与超自然的恐怖主题，而小说的背景通常建构于荒凉的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少女/男）身陷於无以摆脱的魔欲，和（通常是阳性的）施虐者展开一段以死亡为终结的际遇......在这些小说，个中包含的情欲/性别（sexual/gender）关系，古怪地纠缠於神圣与魔鬼的角力；极度的来自於破灭（也就是仪式的「完成」）的那一刻。

象徵父权的宗教系统与企图越的的黑暗（阴性）力量，在某种不可明说的层面，其实隐讳而酷异地分享著「爱欲交配死亡」的快感模式。在当代的恐怖小说阵营，如安.莱丝（Anne Rice）的《吸血鬼纪事》（The Vampire Chronicles）就流露出男情欲与父性机制的复杂互动。

以上大部分资料摘自暗夜妖娆http://www.nkelnacht.com/bid/index.htm

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以下仅为个人看法：在教统治的欧洲，哥特显然是被当做了异教徒的产物，受到其的，导致哥特族的四处，流离漂泊的命运（尤其他们攻占了罗马，教廷所在地），而在这种流离失所中所透出的绝望的悲哀美感更是哥特的动人之处。其实或许就像《达芬奇密码》中说的那样，现在的《圣经》是罗马信仰异教的君士坦丁大帝为了巩固自己的政权和统治，将异教与教混合而编写的，他将耶稣神化，禁止并烧毁关于耶稣为人和他与抹大拉的玛利亚婚姻以及玛利亚王室血统的福音，从而创立了新的教。而阅读被禁止福音的却尊重历史真实的教徒就成了所谓的异教。当时的罗马天主教会毁坏一切异教及其文化，贬低女性可生育的神圣能力，贬低这美丽的文化，贬低女神，利用耶稣的伟大来迷惑教徒。其实哥特中也有很多与古老宗教文化的相似之处。例如，哥特族喜欢五芒星，也就是五角星，它的比例自动符合黄金分割率，代表金星，代表女人和没得女神维纳斯，在教产生以前是有关自然崇拜和女神崇拜的符号，而现在却被误解为恶魔的符号，都是君士坦丁创造的教打压异教的结果。还有对女性，女神的赞美，在很多哥特美术作品，音乐中都可以看出，例如MV中仙音，暗潮中的女主唱形象的塑造。很多哥特图片中运用的五瓣玫瑰也是赞美女性的特质得象征。还有上面哥特小说中提到的灵与肉交融的神圣婚礼“神婚”仪式，古人认为男人只有与女人肉体上的结合，才能成就精神上的完善，并因此获得认知感知神性，性的仪式被认为是男人与女人借以感知上帝存在的行为。

这些都让我们觉得可能哥特和其他早期古老宗教一样神秘神圣。说这些是想说明哥特文化随着教与异教混合流传下来，并深入宗教，就像欧洲各大教堂，所以你用心体会都不难发现。

个人认为现在的恐怖电影都或多或少加入哥特元素，与宗教，黑暗有关，例如这些我看过的《剪刀手爱德华》《理发师陶德》《夜访吸血鬼》《吸血鬼女王》《黑夜传说》《寂静岭》《德古拉》《范海辛》《指环王》《加勒比海盗》（海妖）《哈利波特》（伏地魔），前面几部大多都和吸血鬼有关，因为吸血鬼与哥特族有着太多的相似之处，面色苍白，黑衣，讨厌阳光，喜欢黑暗，躺棺材里睡觉，妖娆血腥的美，高贵优雅不可一世。后面的大多是现代大片，其中的哥特元素都被用在反面人物身上，毕竟一般人还是喜欢正义和常人所能接受的美。

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下面的资料出自百度哥特小说吧http://tieba.baidu.com/f?kz=440178575

早在1921年，一位名叫克里斯滕森的瑞典人就拍出了一部名为《历代的巫术》的影片。众所周知，当时的电影刚刚诞生不久，还处在幼稚期，完整的有故事情节的影片还是凤毛麟角，电影特技也是简单粗糙，所以克里斯滕森采用了纪录片的形式，为我们在银幕上复现了一些有关“巫术”的影像资料。说是纪录片，但其中的镜头基本上是摆拍的，以我们今天的眼光来看，倒更像是一部专题片。但不管怎么说，这是哥特文化第一次融入到电影艺术的表达领域里，异教、死亡、巫术等阴暗面元素第一次成为了电影的表现主题，从这个意义上说，这是一部不折不扣的哥特电影。由于影片的主题过于超前，《历代的巫术》遭禁映达数十年之久，到二战以后才被解禁。值得玩味的是，历史上的哥特民族可能也正是来自于瑞典所在的斯堪地纳维亚地区，相隔千年之后，也正是在这片土地上诞生了人类第一部哥特电影。

不过第一部有影响的哥特电影却是来自德国，在《历代的巫术》诞生一年之后，德国导演茂瑙拍摄了电影《吸血鬼诺斯费拉杜》，自此，大名鼎鼎的吸血鬼正式出现在了大银幕上。事实上，影片中的主人公正是那位爱尔兰作家斯托克笔下的臭名昭著的德古拉伯爵，只是为了避免版权纠纷，茂瑙才给它改了个名字，不过此举并没有起到预期的效果，影片上映后，版权方面就一直麻烦不断，直到现在也没有一个尘埃落定的说法。不过，影片本身确实是非常成功，甫一上映就立刻引起了轰动，茂瑙也凭借此片奠定了自己大师级导演的地位。《吸血鬼诺斯费拉杜》也成为了人类电影史上第一部里程碑式的哥特电影。值得一提的是，当时的德国影坛，正是表现主义电影处于统治地位的阶段，而除了《吸血鬼诺斯费拉杜》以外，另一部表现主义电影《泥人哥连》，也是一部很出色的哥特电影。只不过由于《吸血鬼诺斯费拉杜》的光芒过于耀眼，以致于《泥人哥连》几乎都被人遗忘了。

《吸血鬼诺斯费拉杜》的巨大影响力很快波及到了大洋彼岸，此时正处于上升时期的好莱坞对有票房号召力的题材自然是来者不拒，1931年，美国导演勃朗宁便依照斯托克的原著小说原原本本的将吸血鬼德库拉伯爵的故事搬上了大银幕，这便是影片《吸血狂魔》。该片是世界上第一部有声哥特电影，上映后同样是好评如潮，取得了意想不到的巨大成功。尤其是本片的主演贝拉·卢戈西，他所刻画的吸血鬼形象是如此的深入人心，以致于在他死后多年，还有人坚信他本人就是一个真正的吸血鬼。

方兴未艾的哥特电影浪潮很快被二次世界大战的到来所打破，现实世界中的恐怖显然比银幕上的恐怖来得要可怕得多，在战争年代，人们在电影里需要的是心灵的慰藉、灵魂的抚慰，而不再是宣扬死亡、痛苦的哥特电影。

二战以后，随着经济、社会的复苏，电影产业也逐渐回暖，而哥特电影也再一次被纳入到了电影创作的轨道上。1958年，在德库拉小说诞生的地方——英国，这位大名鼎鼎的吸血鬼伯爵又一次出现在了大银幕上，这便是特雷西·菲舍尔所拍摄的影片《德古拉的噩梦》。该片塑造了一个崭新的吸血鬼形象，从这部影片开始，吸血鬼开始拥有又长又尖的獠牙，只要一张开嘴就会露出来。而主演克里斯托弗·李出色的表演更是出神入化：他五十来岁、高大英俊、两鬓花白、举止威严，神情兼具贵族的优雅和兽性，成为后来者模仿的样板。可以说，《德库拉的噩梦》奠定了至今为止哥特电影中吸血鬼形象的标准模式。

1959年，法国导演乔治斯·弗郎吉所拍摄的《无颜之眼》成为第一部没有吸血鬼形象的经典哥特电影。这部采用了黑白影像的电影，摄影术运用精湛、画面效果精致、情节离奇恐怖，让人过目难忘。特别是影片的诗意氛围，赋予了哥特电影另一种全新的气质，极大的丰富了哥特电影的表现手法。不过总的来说，从战后一直到80年代，哥特电影还处于发展期，势头较弱，数量也不多，有影响的作品更是凤毛麟角。除了上面所提及的那几部以外，就得算1979年赫尔佐格所翻拍的他的前辈茂瑙的那部成名作了。赫尔佐格号称“德国四大导演”之一，辅之以克劳斯·金斯基的出色演绎，赫尔佐格版的《吸血鬼诺斯费拉杜》在50年后取得了不亚于茂瑙版的成功。

在整个80年代，值得一提的哥特电影得算1983年好莱坞出品的《》。这部由托尼·斯科特导演、凯瑟琳·德纳芙和苏珊·萨兰登主演的影片同样以吸血鬼为题材，但在这部影片中，吸血鬼角色不再是男性的专利，而是把女性吸血鬼作为了主角。当然在此前的影片中，也出现过女性吸血鬼，但都没有什么太大的影响。而这部影片则彻底突破了吸血鬼的既有形象，为我们塑造了一个优雅、迷人而又危险的女性吸血鬼的标准形象，也成为后来者模仿的标版，在此后的影片中所出现的女性吸血鬼角色，大多离不开《》中所塑造的那个模式。

直到上个世纪90年代，哥特电影才真正迎来了发展的黄金时期。在这个时期，哥特电影不仅在欧美，更在全世界掀起了一浪接一浪的。1990年，一个名叫蒂姆·波顿的导演找到了一个名叫强尼·戴普的演员，联袂为我们贡献了一部名为《剪刀手爱德华》的影片——自此，哥特电影复兴的大幕在好莱坞被彻底掀开了。作为一部当代里程碑式的哥特电影，《剪刀手爱德华》的意义是怎么评价也不为过的。这部影片没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷……天才的蒂姆·波顿把古老的哥特文化和当下的时代背景天衣无缝的融合在了一起，给哥特题材注入了全新的生命力，从而在根本上拓展了哥特电影的题材范围。蒂姆·波顿也借此逐渐成为当代最伟大的哥特电影大师，他和强尼·戴普这一对黄金搭档也配合得天衣无缝。1999年的《断头谷》就是二人再次合作的结晶，这一次波顿开始出人意料的直接以巫术为题材，为我们描述出世纪末一曲凄婉、仇怨、令人回味无穷的哥特哀歌。

《剪刀手爱德华》的成功坚定了好莱坞制片人们投资哥特电影的决心。1992年，大名鼎鼎的德库拉伯爵终于再一次粉墨登场了。这一回，掌镜的是好莱坞“教父”级导演科波拉。科波拉网罗了一大批好莱坞明星，大手笔的给我们讲述了一个横亘数世纪的爱情故事，这就是电影《惊情四百年》。《惊情四百年》以好莱坞的方法彻底重构了德库拉伯爵的故事，从而给流传了几百年的德库拉传说赋予了全新的意义。影片大气恢弘，特技眼花缭乱，加上好莱坞的宣传攻势，很快席卷了全球的电影市场。

90年代初的哥特电影浪潮并不仅止于此，越来越多的电影人都开始对哥特题材感兴趣。1994年，爱尔兰导演尼尔·乔丹振臂一呼，好莱坞三大帅哥便齐集麾下，为我们集体奉献了另一部堪称史诗的伟大哥特电影——《夜访吸血鬼》。对一般影迷来说，《夜访吸血鬼》最大的看点恐怕在于汤姆·克鲁斯、布拉德·皮特和安东尼奥·班德拉斯的联袂演出了，但影片本身并不逊色，绝对可以称得上是吸血鬼题材的集大成者了。影片的时间跨度达数百年之久，而且地域也横跨欧美两大洲，向我们全景式的展现了一个与人类社会并存的吸血鬼世界，并别出心裁的以吸血鬼的视角描述出了它们自己的心路历程。《夜访吸血鬼》是如此的成功，以致于我们甚至可以断言，吸血鬼的故事就此可以画上一个句号了，在此后20、30年乃至更长的时间里，也不会有超过他们的同类型电影了。

在吸血鬼电影大获成功的同时，另一部名为《乌鸦》的电影闯入了哥特影迷们的视野。相对于好莱坞主流大制作而言, 《乌鸦》显得更独力、更 另 类、也更cult一些。

时光进入21世纪，哥特电影已在全世界遍地开花。一向以艺术气息浓厚著称的法国人也没有放过哥特电影的创作。2001年，一部名为《狼族盟约》的法国电影让全世界的哥特影迷都惊喜不已。该片以法国乡间关于吃人巨兽的真实传说为蓝本，糅合了悬疑、巫术、惊悚、异域等多重色彩，精致而又细腻的在银幕上为我们还原了一个以哥特文化为背景的引人入胜的精彩故事。两年之后的2003年，法国人则给哥特影迷们带来了更大的惊喜。这一年，法国人制作出了一部出色的3D动画片《盖娜》。《盖娜》是世界上第一部有广泛影响力的哥特动画长片，全片既吸收了好莱坞常用的科幻元素，又保留了法国人对哥特文化的理解。特别是影片中外星生命体的形象，妖魅、高贵、危险、黑暗，符合哥特文化中一贯的典型形象的特征。在该片中，的外星生命以植物汁液为食，强迫人们冒着生命危险为其采集，实际上这里的植物汁液正应对着传统哥特文化中的人类鲜血。此外，外星人的统治是通过巫师、祭祀对人们的精神控制来实现的，可以理解为是该片的创作者依托科幻背景对宗教内容的一次全新演绎，反映了创作者们对宗教传统的独特反思，而这种反思，正是承袭了哥特文化中的异教传统。

时至今日，史诗性的哥特电影浪潮已经过去，但哥特电影的题材越来越广泛，同时，哥特电影也开始向传统的类型片靠拢，逐渐融合了其它传统类型片的特点，使得观众们接受起来更加容易。2003年的美国影片《吸血鬼女王》就是个中代表。这是一部以经典吸血鬼题材为主题的电影，但在这部影片中，融合进了街头文化、黑人文化的特色，吸血鬼也摆脱了以往白人男性贵族的身份设置，而是以黑人女性的面貌示人。全片节奏明快，音乐强劲，可以说，这是一个黑人街头版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜传说》和2004年的《范·海辛》则反映了哥特电影的最新发展趋势。这两部影片都结合了好莱坞惯用的动作片特点，极尽动作、打斗之能事，如果去掉其中的哥特背景，则是不折不扣的动作片。而且，两部影片都以哥特文化中最经典的两大传统形象——吸血鬼和人狼为主角，在银幕上让二者大打出手。《黑夜传说》讲述了人狼和吸血鬼相爱的哥特版的罗密欧与朱丽叶的故事，《范·海辛》则以传统的德库拉故事为母题，把其中的吸血鬼克星范·海辛博士直接变成了人狼，倒也别有一番趣味。

"好莱坞式"电影特征

1、表现手法

在艺术上大量借鉴了欧洲艺术电影的创作经验，电影创作者们在跳出经典好莱坞戏剧电影模式的同时，又吸纳其合理成分，在表现手法上突出电影的影像功能。

2、情节结构

打破追求戏剧性的单向叙事模式，时空转换更加灵活，不再追求故事情节的完整性而寻求开放的结尾。

3、人物不再定型化

是根据其性格自身的发展展现其自然本性。善与恶不再是划分人物好坏的泾渭分明的标准。除此之外，新好莱坞电影在人物和情节的关系上，使人物不再隶属于情节而是从情节突出人物。

扩展资料

好莱坞电影代表作品

1、《卡萨布兰卡》

美国式主旋律作品最早也是最著名的篇章。在里克咖啡馆中大家高唱《马赛曲》的片段，在当年曾经鼓舞了无数为反法西斯战争奋斗的人们，即使在今天，我们依然可以从这一段落感受到爱国主义的力量。与此相比，主人公间的俊男倩女式的爱情纠缠，就成了影片的小小佐料。

2、《教父》

科波拉在影片中塑造的堂·克里昂家族史，在背叛、忠诚、爱情、亲情、敌人之间辗转挣扎，将人性的光芒与卑微阐述得如此鲜明生动，《教父》的意义已经超越了普通的黑帮人，它更应该是被视作一部史诗而具备存在的价值。

美国明星尼古拉斯凯奇的具体资料?

尼古拉斯-凯奇(原名尼古拉斯-科波拉)，1964年1月7日出生在美国加州的一个艺术之家，他的父亲是前旧金山大学文学院院长奥古斯特-科波拉，他的叔叔是以《教父》和《现代启示录》等片闻名于世的大导演弗朗西斯-科波拉。作为科波拉家族的一员，他从小就在充满音乐与书籍的环境中长大，并对演戏、摄影产生了浓厚的兴趣。他17岁开始进入电影圈，为了不受叔叔名气的影响，改从他喜爱的作曲家约翰-凯奇的姓。

1982年，尼古拉斯初次在影坛露面，在《开放的美国学府》中扮演一个角色。次年他又出演影片《村姑》和《斗鱼》。1984年，在名片《鸟人》中，凯奇担任了主角，充分展现了他那过人演技，开始为人们所瞩目，该片1985年获得了戛纳电影节评委会大奖。凯奇在该片中的表演受到了肯定，开始走向成功。在此后的几年里，他又拍了《棉花俱乐部》、《爱的召集令》、《忧郁男孩》、《佩吉苏要出嫁》、《抚养亚利桑那》、《月色撩人》等影片，在这些影片中他对不同的角色的处理都极见功力，有着不错的表现。

1988年，他在影片《吸血鬼之吻》中扮演了一位纽约雅皮士，后来变成了一个吸血鬼，该片堪称是凯奇从影以来最为“过分”的演出。1990年他又演出了《火鸟出击》和《野性难驯》。《野性难驯》有着诡异强烈的影像风格，及超现实的气氛。片尾凯奇身着蛇皮夹克站在滚滚车流之上演唱猫王名曲“Love Me Tender”一段更成了电影史上的一个经典场面。该片1992年获第43届戛纳电影节金棕榈大奖，成了凯奇创作的转折点。

1995年对凯奇来说是至关重要的一年，他主演的《逃离拉斯维加斯》是一部成本仅有三百五十万美元的小制作影片，凯奇投入的不只是他的灵魂，他更只是收取了微薄的片酬。在这部片中凯奇获得的片酬只有他平常的十分之一！不过他那深入灵魂的表演却使他赢得了一尊金光闪闪的奥斯卡金像，这是金钱所难以估量的，该片使他成为最炙手可热的男明星。之后他转变戏路，向动作片进军。他于1996年主演的动作片《绝地任务》使他跃身成为全球国际票房巨星，证明了他的戏路相当宽广，是个货真价实的奥斯卡影帝。1997年又以《空中监狱》和《变脸》雄霸暑期票房。尼古拉斯-凯奇在一夜之间成为了好莱坞又一动作派票房巨星。

有趣的是，高大挺拔的尼古拉斯-凯奇在动作片中总是骁勇善战，上山下海、对付仇敌无所不能。不过，这位银幕英雄，从小就患有惧高症，对高处有极深的恐惧感。患有惧高症的他居然是新一代的超人，将在电影《超人5》中扮演飞天遁地的超人，实在有够讽刺。

主演影片：

《开放的美国学府》(《Fast Time at Ridgement High》1982)

《村姑》(《Valley Girl》1983)

《斗鱼》(《Rumble Fish》1983)

《鸟人》(《Birdy》1984)

《棉花俱乐部》(《The Cotton Club》1984)

《爱的召集令》(《Racing with the Moon》1984)

《忧郁男孩》(《The Boy in Blue》1986)

《佩吉苏要出嫁》(《Peggy Sue Got Married》1986)

《抚养亚利桑那》(《Raising Arizona》1987)

《月色撩人》(《Moonstruck》1987)

《吸血鬼之吻》(《Vampire's Kiss》1988)

《火鸟出击》(《Fire Birds》1990)

《野性难驯》(《Wild at Heart》1990)

《今夜你寂寞吗》(《Honeymoon in Vegas》1992)

《西部红石镇》(《Red Rock West》1993)

《黑白追杀令》(《Amos and Andrew》1993)

《超级赌徒》(《Dead Fall》1993)

《第一夫人的保镖》(《Guarding Tess》1994)

《倾城佳话》(《It Could Happen to You》1994)

《天堂有难》(《Trapped in Paradise》1994)

《死亡之吻》(《Kiss of Death》1995)

《逃离拉斯维加斯》(《Leaving Las Vegas》1995)

《绝地任务》(《The Rock》1996)

《变脸》(《Face Off》1997)

《空中监狱》(《Con Air》1997)

《欢迎来到好莱坞》(《Welcome To Hollywood》1998)

《X情人》(《City Of Angles》1998)

《蛇眼》(《Snake Eyes》1998)

《8毫米》(《8mm》1999)

《穿梭鬼门关》(《Bringing Out the Dead》1999)

获奖记录：

1992年以影片《野性难驯》(《Wild at Heart》1990)获第43届戛纳电影节金棕榈大奖。

1996年以影片《逃离拉斯维加斯》(《Leaving LasVegas》1999)获第六十八届奥斯卡最佳男主角奖

什么样的电影称之为好莱坞电影

新好莱坞电影：

在法国「新浪潮」电影运动的美学观念的冲击下，世界各国电影或迟或早地都在产生着新的变化。而在这一变化中，最引人注目的是出现于六、七十年代的新好莱坞电影与新德国电影的变化。虽然，这一变化在今天已经在某种程度上由他们自己所，或以新的科技手段所取代，但它仍旧是世界电影发展中一个极为重要的时期和一个极为重要的现象。它使半个世纪以来旧的电影制片产生了动摇，使传统的美学观念又一次遭到了深刻的打击。它从更普遍的意义上证实了法国「新浪潮」时期电影美学的真正意义

第一节 新好莱坞电影所产生的背景

所谓「新好莱坞」指的是：从1967年一1976年，这样一段时间。好莱坞电影在经历了意大利新现实主义电影和民族电影兴起的影响之后；在经历了法国新浪潮的冲击之后，在经历了自身从50年代到60年代的商业影片制作的衰退与电视对电影制作的冲击之后，于酗年代后半期和70年代，开始对近亲繁殖的类型电影从形式到主题进行了「反思」。而在另一方面，美国社会的动荡与的危机；电影旧与旧观念的危机，都成为这时期电影与演变的主要背景及因素。

60年代，美国社会处于一系列严酷的社会现实：谋杀丛起、越南战争、民权运动、经济衰退、危机等等。

1962年，约翰·肯尼迪当选为合众国的总统，他是第一个主张同劳工对话并被南北方美国共同认可的总统，也是第一个主张宗教自由的天主教总统。人民充满信心和希望，向往着社会和改革的进步。然而，1963年，约翰·肯尼迪遇刺。肯尼迪之死标志着「美利坚精神信念大厦」的坍塌。此后一系列谋杀出现：1965年4月，马尔科姆被刺；1965年5月，罗伯特·肯尼迪被刺；1968年，马丁·路德·金被刺；1970年，肯尼迪兄弟的母亲又惨遭遇难。这些造成了长期的社会、人心浮动。

就在肯尼迪被刺的同一年，美事代表团进驻越南，从此拉开了这场发生在遥远的亚洲的战争序幕。1964年，美军轰炸越南；

1965年，地面参与战争；直到1973年，美军撤出越南，战争才宣告结束。这场旷日持久的战争使美国付出了高昂的代价，36．5万个年轻的生命被恶魔吞噬。这个数字几乎是第二次世界大战和朝鲜金争的总和(二战：20万人；朝鲜战争：10万人)，成为美国历史上损失最惨重的一次战争。这使得曾经普遍坚信美国制度的优越的人们开始产生了疑问。好莱坞，这个曾以《一个国家的诞生》和《党同伐异》向世界电影挑战，并以《飘》等影片征服了世界银幕的电影之都，在此期间战争这一类型的影片几乎彻底遭到了破产，美国人民以他们青年人的热血和生命的代价，换来了对美国精神的思索和批判，同样是肯尼迪被刺的同一年，在美国爆发了由20万人参加的声势浩大的民权示威。这个由多民族组成的美利坚合众国的历史曾起源于贩卖黑奴，共和国的历史则起源于黑奴的解放o。虽然，曾于1954年又颁布了「反对种族歧视的法令」，但仍旧发生了10名黑人女大学生遇难的「小石城事件」。1962年，3个美国黑人考入大学，但和校长却站在门口阻拦他们入学，当时的肯尼迪总统下令，调动了3000联邦军护送这三个人入学。1963年，由上而下的艰难的社会变革，结果变成了一场自下而上的民权运动。

1965年，洛杉矾黑人住宅区，面这一惨状空前的事件通过现代大众传播媒介体——电视的形式得到了及时的转播，激起人识的觉醒，甚至待中间立场的白人也站到黑人一边。1967年，民权运动升级，黑人要求「种族隔离」，提出将路西安娜州变为「黑人州」，施行「黑人自治」。民权运动领袖马丁·路德·金还带头火烧兵役证，以示对越战的。15万人向五角大楼走来，反对美国侵越战争。虽然在「内乱外患」惶惶不可终日的情况下，仍坚持反动立场，示威群众。1971年的一次规模浩大的游

行示威中，仅被捕者就多达15000人。

1970年，「水门事件」发生，美国议会由史以来第一次了他们的总统。美国失去了人心民心，引起了强烈的愤懑。美国对外扩张的霸权也受到了阻隔。民主与暴力行为，战争与人民反抗、民权运动的高涨与压制，形成了美国社会运动的三大潮流。而这时在青年人当中「弗洛伊德」盛行，一种逆反心理通过德皮士、性自由等形式体现出来。新好莱坞电影运动便诞生在这样一个「社会、民主危机的时代」，其社会和的原因是无法回避的。

新好莱坞电影产生的国内经济文化方面的原因；似乎主要归于电影与电视的竞争。进入50年代，电视就开始威胁着电影业，美国人与法国人采取的是不同的态度和方式，法国人所考虑的是在艺术美学上的，而美国人则更多考虑的是技术上的，他们将：宽银幕、立体电影、汽车影院、甚至嗅觉电影等，一系列新技术推向市场。这一措施在企图夺回电视观众的同时，实际上仍旧在维护着好莱坞的传统职能。然而，酗年代中期，美国家庭90％以上都有了电视，人们坐在家里看电视的机会和时间越来越多，电视台与节目数量也与日剧增，不仅吞噬掉全部好莱坞的影片，还在电视上开始大量地播放欧洲影片。而这来自：意大利新现实主义、日本电影、瑞典的英格玛·伯格曼，特别是法国的「新浪潮」等一系列电影文化的冲击，开始从根本上动摇了好莱坞的制片，一场电影业的「」在酝酿之中—O。出现了一些不依附于大公司的「皮包公司」i他们的确解决了剧本、导演、演员等方面的问题，也拍摄出了几部影片，但最后还是要大公司来为他们发行。「」很快地烟消云散了。然而，它却预示着美国电影「新浪潮」的出现。就在这时一批电影学院的学生走上社会，开始了他们的电影创作。这些青年人崇拜和向往欧洲电影，接受了「作者观念」的影响，也试图象欧洲青年艺术家一样，用电影讲述自己的故事，用自己的方法讲述个人的、新的、非主流的故事。1967年，阿瑟·佩恩拍摄的《邦尼和克莱德》影片公映，尽管影片中表现的仍是一个英俊潇洒的青年和一个美貌风流的姑娘的爱情故事，但是他们西装革履的外表掩饰不住他们的真实身份：两个手持弹、抢劫银行的「江洋大盗」。这是美国电影银幕上首次出现的与传统好莱坞电影人物形象沮然不同的新人物，他们同《四百下》中的安托纳、《精疲力尽》中的米歇尔一样，是个十足的无主义者，是社会秩序的破坏者和者。影片片头所采用的字幕形式资料照片强调了人物的历史传记色彩、强调了叙事的真实性和纪录性，这也同《四百下》中的安托纳被询问时的时空异步的剪辑有着一样的精心设计。而现实社会的问题，越南战争的失败和阴暗的社会前景也在影片结尾的改写上体现出来，观众已经厌倦了「大团圆的结局」，这一程序再也行不通了。结尾时邦尼和克莱德被打得千洞百孔的身体与被击毙在巴黎街头的米歇尔何其相似。这部影片的成功在于人们接受了对「美国正面形象的巨大否定」，它了美国电影的强盗片和警匪片的类型模式。而类型模式的破产之目便是作者电影的生成之时，影片《邦尼和克莱德》标志着美国新好莱坞电影的诞生。

第二节 新好莱坞时期的电影创作

60年代末，美国电影制作者的观念在变化，观众的观念也在超越现实的精神状态，他们要利用『『青年人与现存社会的矛盾」和「现行社会的危机」，就像一个好莱坞的制片人所说的那样「是容易脱手的完美商品」。他们企图以「』』打人市场，就如同那一时期出现的德皮士资本家一样。这类的影片以后还有：波拉克拍摄的《杰里迈亚·约翰逊》(1969年)、波格丹诺维奇拍摄的《纸月亮》(1972年)和卢卡斯的《美国风情录》(1973年)等。《道遥骑士》成为六、七十年代美国电影史上重要的分水岭，它引起了美国电影的深刻变化，并导致了某种「自由」浪漫、躁动的暴力情绪和风格」。这部多少带有试验性质的影片预示了1975年《出租汽车司机》的艺术方向。

影片《出租汽车司机》的导演是出生在纽约「小意大利区」的马丁·斯柯塞斯，他曾做过短片、剪辑、助理导演等职。斯柯塞斯从f、目睹了小意大利区生活中的种种青年人的精神苦闷与孤独的生活。他对街道上屡屡发生的暴力事件及行为有着深刻印象，本来做神职人员的理想渐渐被艺术情趣所取代。1968年，斯柯塞斯拍摄了作《谁在敲我的门》。此后，他遇到了约翰·卡萨维特斯，他的友谊与忠告一直伴随着他，这就是「小伙子，永远不要导演商业影片2，，斯柯塞斯后来以《出租汽车司机》和《的最后》实践了这一忠告。

弗朗西斯·福特·科波拉是新好莱坞电影创作的中间分子，曾被传统的人称之为是美国的新浪潮的旗手，是一个擅长表现人的孤独与暴力的伟大导演，又是一位多才多艺的艺术家。他曾与1962年拍摄了他的作，一部恐怖片《痴呆症》；1967年，拍摄了作为在加利福尼亚大学硕士论文的《他已是小伙子了》起了人们的注意；1970年他又因《巴顿》一片的编剧(获得奥斯卡最佳编剧奖)而成功，为自己确立了地位；1972年，描写黑手党领袖的强盗片《教父))．，因创造了2亿美元的票房，而获得美国电影史上空前的记录；1974年，那部关于窃听专家哈里，考尔的《对话》，在声画对佼上精妙的处理，使人们看到了「美国新电影中最令人感兴趣的形象」；1979年，《现代启示录》出现，这部影片同前一年出现的迈克，西米诺的《猎鹿人》一起，对人们一直保持沉默的「越南战争」问题发了言……。科波拉的电影创作走过了一条辉煌的历程。他从制片开始，不仅自己制作影片，还资助别人拍摄影片，卢卡斯的《美国风情录》就是在科波拉的帮助下(科波拉的制片人)拍摄的。他雄心勃勃企图要改变旧好莱坞，他曾说「我要为电影艺术赔上一生」。然而，由于他所获得的巨大成功，使他逐渐地背离了自己，走向了「重磅」的高成本、重大题材的制作。在新好莱坞时期之后的好莱坞似乎什么也没有改变。

在这一时期独具特色的影片还有：罗伯特。阿尔特曼，这个称作「失魂落魄的梦幻者」，于1969年拍摄的《公园里最寒冷的一天》；西德尼·波拉克于lQ69年拍摄的《无力的马不是要射杀吗》；

哈尔。阿什比于1971年拍摄的《哈罗德和莫德》；以及米洛斯·福尔曼拍摄的《飞越疯人院》等等。新好莱坞电影在商业片领域里也取得了广泛的成就：在喜剧片类型中，出现了杰里。刘易斯、伍迪·艾伦和梅尔·布鲁斯。他们3个人都是喜剧的导演和演员，他们的「相声滑稽剧」妙语连珠地嘲讽了社会，既显示出美国强大的喜剧传统精神，又融入现代色彩。商业片卓越天才斯蒂芬。斯皮尔伯格于1975年拍摄的科幻片《大白鲨》，这部影片实际上预示了以后的《外星人》(1982年)、《株罗纪公园》(1993年)等影片的出现与成功。他还在36岁的时候，就曾有4部影片被列入美国最上座的10部影片之中。斯皮尔伯格影片的巨大的票房收人为美国电影赢来席卷全球的声势。

从70年代到80年代的过渡时期，新好莱坞完成了自己的使命。近10年的时间，美国每年生产200部左右的影片，电影与电视争夺观众的竞争已达到平衡。电影保持着10一12亿的观众，并且有了自己的越来越广阔的海外市场。据1993年的统计证实，美国电影国内票房收入达52亿，发行收入26亿。视听产品的贸易顺差仅次于飞机制造出口业，为美国第二大行业。在全年世界银幕上上座率最高的10O部影片中美国影片占88部。

参考资料：http://www.nikerchina.com/film/faxiandianying/dishizhang.htm